Skip to content

Catégorie : Regarder des images

Star Wars 8 : Il est temps que l’Empire gagne

Comme Renault a appris que j’ai obtenu le prix Roberval en novembre dernier, prix qui récompense les meilleurs auteurs français au monde (donc moi), la firme au losange n’a pas résisté à l’envie de m’inviter à la projection du dernier Star Wars avec toute une ribambelle d’autres célébrités et saltimbanques dont Roland Domenech, Eddy Seimoun, Martin Boujenah, Jean-Paul Denisot et le chanteur d’Indochine (qui doit avoir un nom, mais je l’ai oublié). Et ça tombe bien, car je n’y serais jamais allé sans la promesse de petits fours et de champagnes après.

J’avais, bien sûr, tout oublié de l’épisode 7, donc je n’ai pas bien suivi le début de l’épisode 8, mais très vite, on comprend que l’affaire ne tient qu’à une seule question : « Est-ce la fin de la Rébellion ? » (en toute franchise, il y a également une histoire entre Rey, Luke Skywalker et Kylo Ren, mais toute cette partie est plutôt bien, et comme mon article est fondé sur de la mauvaise foi, je vais les passer sous silence.)

« Est-ce la fin de la Rébellion ? »

Voici en substance ce que raconte j’ai compris de l’épisode 8, « Les derniers Jedi ». Si vous voulez vous évitez de trop vous faire spoiler le film, cliquez ici.

La Rébellion, dont l’ensemble de la population ne dépasse pas le nombre de participants à un congrès du PC avec Robert Hue en 2007, est prise en chasse par le vaisseau amiral du Premier Ordre (le nouveau nom de l’Empire). La flotte est décimée par ce destroyer du mal, mais grâce à une forte tête, Poe Dameron, une ouverture permet à un bombardier de la Rébellion de détruire in extremis le vaisseau ennemi.

Hélas, mis à part nous occuper vingt minutes, cet exploit n’aura servi à rien : si la flotte rebelle arrive à s’enfuir en sautant dans l’hyperespace, un nouveau dispositif ultramoderne de l’Empire permet de la suivre à la trace. À peine sort-elle de l’hyperespace qu’un nouveau vaisseau amiral surgit (avec trois autres) autour d’elle.

Leia est vénère : les rebelles ont à peine assez d’essence pour refaire un saut dans l’hyperespace et la prochaine station-service est à 4 parsecs de là. Pis, de toute façon, ça ne servira à rien puisque le Premier Ordre est capable de les pister avec la précision d’une puce GPS dans un iPhone qui aurait encore de la batterie.

Une décision est prise : la flotte rebelle va continuer d’avancer en restant hors de portée des canons du vaisseau amiral ennemi. Au moins tant qu’elle aura de l’essence, soit dix-huit heure. Est-ce la fin de la Rébellion ?

Persuadé qu’il n’y a plus d’espoir, Finn, l’ex-Stormtrooper de l’épisode 7 (qui, pour une raison que j’ai oubliée, se réveille dans une chambre médicalisée), décide de fausser compagnie à la Rébellion. Mais il se fait choper par une jeune garde, Rose. Je vous abrège : Rose et Finn décident de désactiver le traqueur du Premier Ordre qui se trouve dans le destroyer. Leur chance, c’est que l’Empire ne possède qu’un traqueur, car si j’ai bien compris, il a été conçu par Apple : « C’est une technologie toute récente et extrêmement coûteuse », explique Rose.

L’empereur Snoke en train de faire un animoji d’Andy Serkis

Sauf que… On n’entre pas dans le navire amiral comme dans un moulin ! Rose et Finn se font rancarder : il n’existe dans l’univers qu’UN seul spécialiste capable de pirater la porte ouvrant vers le SAS où a été rangé le traqueur. Ce spécialiste réside à Canto Bight, une ville casino sur une planète à quelques heures de là où se trouve la flotte rebelle. Ils prennent un vaisseau en loucedé et s’envolent vers Canto Bight. Est-ce la fin de la Rébellion ?

À croire que chaque Star Wars se doit d’avoir sa scène musicale, on a ici une énième autoparodie du Cantina Band de La Guerre des étoiles. Le premier travelling qui nous fait « découvrir » le casino est un prétexte pour montrer chaque table de jeu et son « extra-terrestre rigolo ». Les péripéties s’enchaînent et les lieux communs aussi : on apprend ainsi que « les gens s’enrichissent grâce aux guerres », que « c’est mal de torturer des animaux », qu’il y a « du gentil et du méchant chez tout le monde, ça dépend de son point de vue » ou que « les enfants ne doivent pas être traités comme des esclaves ». C’est de loin la pire séquence du film.

Rose et Finn finissent par débusquer la perle rare qui leur ouvrira la porte vers le traqueur. Mais tout ceci a pris énormément de temps, et alors qu’ils s’approchent du vaisseau de l’Empire, il ne reste déjà plus que deux heures de carburant. Or, pendant ce temps, la grande majorité de la flotte rebelle s’est fait exploser par l’Empire. Réduit à une portion congrue, le groupe de rebelles est en mauvaise posture. La vice-amirale Holdo décide alors d’évacuer la navette principale avec les derniers survivants. Est-ce la fin de la Rébellion ?

« J’ai une super idée. »

À nouveau, c’est un échec. L’Empire percute très vite qu’on les berne et envoie des croiseurs contre les capsules de survie. C’est un massacre. Est-ce la fin de la Rébellion ?

« Ah non. Sorry, C’est pas une super idée. My bad. »

Une infime partie du groupe de départ réussit à atterrir sur une planète proche (quelle chance !) sur laquelle se trouve une ancienne base minière et rebelle (quelle double chance !) où l’on trouve des armes (quelle méga chance !) et des speeders (non ? C’te CHANCE ! Et tout ça, juste à côté ! Ç’aurait pas pu mieux tomber).

Les vaisseaux du Premier Ordre débarquent, avec à l’intérieur Kylo Ren (le méchant). Et décision est prise d’exterminer les derniers rebelles retranchés derrière le mur d’acier fermant l’accès à la mine. C’est une occasion en or, car figurez-vous qu’il n’y a aucune issue de secours. Les rebelles se sont enfermés eux-mêmes dans leur tombeau (rire sardonique). À votre avis, est-ce la fin de la Rébellion ?

Attaque

Le carnage de rebelles continue (comme chez le boucher : « Je vous en ai mis pour 130 kilos de rebelles, je vous laisse le rab ? »). Sauf que… On ne s’en doutait pas, mais à l’intérieur de la mine, il y a des animaux rigolos : des chiens de glace (il y en a beaucoup, car le numérique permet d’en aligner des milliers pour pas cher) qui trouvent une sortie. Vous n’en croyez pas vos yeux ? Bah je vous le conseille.

Rintintin indiquant le chemin vers la sortie aux rebelles

Sauf que… Un gros éboulis obstrue la sortie. Les chiens parviennent à se faufiler, mais les gros rebelles, eux, ne peuvent rien faire. Est-ce la fin de la Rébellion (qui ne doit plus compter qu’une trentaine de partisans dorénavant) ?

Eh non ! Car Rey arrive en pilotant le Faucon Millenium, descend fissa, soulève les pierres grâce à la Force et sauve la Rébellion qui ne connaîtra donc pas encore sa fin aujourd’hui.

De son côté, Kylo Ren est particulièrement contrarié. Les rebelles s’enfuient, le Faucon Millenium passe en vitesse lumière (le traqueur a été détruit lors d’un sacrifice humain). FIN (plus ou moins).

Starwars
C’est là où je me suis rendu compte que Star Wars me lasse. Je suis sorti de l’épisode 8 en ayant rejoint le côté obscur de la Force. Dorénavant, je rêve que l’Empire gagne. Leia et les autres ont eu des tas de chances de prendre le contrôle, ils les ont laissées filer à chaque fois, mais on ne peut pas continuer de vivre dans le chaos le plus total à cause d’une bande de soixante-huitards qui prennent des substances hallucinogènes.
Je ne sais pas si on nous donne des indications temporelles (j’oublie aussi vite les Star Wars que je les vois), mais vu le coup de vieux de la princesse Leia et de Luke Skywalker, on a un peu le sentiment que ça va faire 45 ans que l’Empire tente d’écraser la rébellion. Et jusqu’ici sans le moindre succès. Alors qu’en même temps, la Rébellion s’affaiblit d’épisode en épisode.

Mais comment voulez-vous qu’un gouvernement stable se constitue s’il est sans arrêt saboté par un groupe d’anarchistes en goguette, pas foutu de mener à bien le moindre putsch ?

Il faut que ça cesse. Tout comme Daesh se fait laminer au Moyen-Orient, la Rébellion doit disparaître. Car oui, j’ose ce parallèle audacieux : la Rébellion n’est ni plus ni moins qu’une organisation terroriste. Elle veut convertir la galaxie à sa cause, cause qui décemment ne passionne plus grand monde quand on voit la quantité d’hommes et de femmes qui sont sous la coupe du Premier Ordre. D’ailleurs, la scène où un vaisseau rebelle fonce sur un destroyer du Premier Ordre n’est pas sans rappeler la tragédie de septembre 2001.

Pire encore : avec le peu de moyens à sa disposition, la Rébellion tente de recruter les esprits les plus faibles, les enfants, en leur promettant une vie meilleure. Sérieusement, j’aurais entendu « Allahu akbar » à la fin du film à la place de la musique de John Williams que ça ne m’aurait pas vraiment surpris.

Quoi ? J’exagère ? Je débloque ? Oh, mais taisez-vous. J’écrirais la même chose dans les Inrocks, vous en tomberiez de votre chaise.

Bref, s’il te plaît Kylo Ren, dans le prochain épisode, anéantit la Rébellion. Bien sûr, tu n’arriveras pas à contenter toute la galaxie avec ton gouvernement, mais honnêtement, est-ce que Macron satisfait 70 millions de Français ? Est-ce que Trump convient aux 300 millions d’Américains ? Theresa May est-elle plébiscitée par 60 millions de Britanniques ? Non. La politique, c’est 10% d’imbéciles heureux et 90% de mécontents permanents. C’est comme ça, et ce n’est pas pour autant qu’on monte tous dans des navettes spatiales pour tirer sur le Bundestag ou la Maison-Blanche.

120 battements par minute : histoires arythmiques

Écrire sur 120 Battements par minute est un exercice un peu casse-gueule. Alors avant de commencer, précisons tout de suite : ce film est salutaire, devait être fait et mérite d’être vu (bien au-delà des homos ou de ceux qui s’intéressent à l’histoire de la lutte contre le VIH). J’ajoute que j’ai beaucoup aimé et que je n’ai pas vu les deux heures vingt (ce que je craignais beaucoup).

Accessoirement, il va me permettre de tester ma toute nouvelle balise « Spoiler » pour mon blorg, et ça, ça n’a pas de prix.

C’est pas génial, sérieusement ?

(Il faut cliquer pour voir ce que j’ai écris juste avant.)

Mais pourquoi est-ce casse-gueule d’écrire dessus ? Parce que le film oscille en permanence entre le documentaire et la fiction. Et on ne sait jamais sur quel pied danser.

Si l’on s’en tient à l’aspect documentaire des réunions, les « anciens » d’Act-Up confirment que le film touche juste. Rien de surprenant : le réalisateur Robin Campillo est un ancien membre de l’association lui-même. Mais si l’on penche vers la fiction, je dois avouer que je ne comprends pas bien le projet. Ça donne à mon sens un film plutôt bancal.

(Si vous n’avez pas vu le film, vous prenez le risque de connaître toute l’histoire en lisant la suite. Bon. En même temps, on ne va pas se mentir : un film sur des malades du SIDA au début des années 90 se finit rarement bien.)

120bpm 2

Il y a donc deux façons de raconter le film.
1. Le documentaire. Inspiré par Act-Up New York, un groupe de tout horizon forme Act-Up Paris, association de lutte contre le VIH et reprend les mêmes méthodes musclées pour tenter de se faire entendre face à un gouvernement plus sourd que Beethoven.
2. L’histoire d’amour. Sean, séropositif, milite à Act-Up. Nathan, séronégatif, rejoint l’association. Nathan tombe amoureux de Sean. Sean tombe de plus en plus malade. La fin n’est pas gai.

Le film passe une grande première partie sur les réunions d’Act-Up où se préparent les actions militantes du groupe. Leur objectif numéro 1 : mettre les mains sur les résultats d’une molécule (une antiprotéase) en cours de test par un grand laboratoire pharmaceutique. Mais le laboratoire refuse de les livrer et entend les publier uniquement d’ici un an, lors de la conférence mondiale contre le SIDA.

Sur cette partie, on retiendra que l’aspect documentaire est particulièrement bien restitué, tout en évitant l’ennui que pourraient susciter de longues discussions stériles, même ponctuées d’engueulades. Mais entre les très bons / bonnes acteurs / actrices et la mise en scène, le rythme ne se relâche pas. Il y a tout de même un petit « mais » : sur les sept ou huit réunions qu’on voit, une bonne moitié d’entre elles répètent systématiquement la même chose, comme si le texte de ces scènes se basait en grande partie sur un seul compte-rendu. Et je crois avoir rarement entendu dans un seul film aussi souvent « Les gays, les toxicos, les étrangers, les prostitués, les hémophiles et les gens en prison » dans la même phrase. Comme s’il ne fallait jamais en oublier un seul.

Exemple :
– Il faut faire une action militante !
– Oui, il faut la faire pour les gays, les toxicos, les étrangers, les prostitués, les hémophiles et les gens en prison.
– Je suggère qu’on aille jeter du sang sur la tête du président des labos Machin-Chose.
– Bonne idée, on ira avec les gays, les toxicos, les étrangers, les prostitués, les hémophiles et les gens en prison.
– Oui, car on n’entend pas dans ce pays la voix des gays, des toxicos, des étrangers, des prostitués, des hémophiles et des gens en prison.
– Ah ça ! Rien n’est fait pour les gays, les toxicos, les étrangers, les prostitués, les hémophiles et les gens en prison.

J’exagère un peu (et je tiens à préciser que je parle du style, pas du fond : je sais bien qu’à l’époque, le gouvernement se fichait totalement de la santé des gays, des toxicos, des étrangers, des prostitués, des hémophiles et des gens en prison).

En dehors de ce petit bémol, franchement, c’est passionnant et c’est aussi glaçant de voir à quel point les pouvoirs publics se moquaient totalement du sort de toute une frange de la population et comment cette population a concentré une telle colère que la seule façon de l’exprimer était dans des actions coups de poings salutaires.

En revanche, l’histoire d’amour : bof. Limite, elle gâche le reste. Oh, ne me faites pas dire ce que je n’ai pas dit : oui, il est mignon ce petit couple Sean et Nathan qui se fait des bisous et qui couche ensemble. Mais alors quand SPOILER ALERT la maladie va commencer à emporter Sean, on passe de 120 battements par minute à 120 minutes par battement (cette blague pourrait vous être offerte par Le Masque et la plume). D’ailleurs, d’une façon générale, dès qu’on quitte les actions et les réunions, le réalisateur manque singulièrement d’originalité. Le ralenti quand un personnage tombe dans les pommes, je ne vais pas dire qu’on a vu ça mille fois, mais quand même : on a vu ça mille fois. D’ailleurs cette « idée » du ralenti est reprise trois fois dans le film…

Et, SPOILER ALERT TOUJOURS, quand Sean meurt, on va passer près pratiquement toute la fin du film sur la veillée funèbre. L’histoire entre Sean et Nathan balaye alors d’un coup tout le pan documentaire.

Que s’est-il passé avec le fameux laboratoire contre lequel Act-Up est entré en guerre ? Quand les résultats sur la molécule sont-ils sortis ? A-t-elle été efficace ? A-t-elle soigné des gens d’Actu-Up ? Silence total. Tout comme le générique sans musique (palme de l’inattendu).

Mais peut-être que ce qu’il me fallait, c’était justement ça : du documentaire. Alors, je vous recommande chaudement How To Survive A Plague. C’est sur l’histoire d’Act-Up aussi, mais Act-Up New York. Sa formation, son mode de fonctionnement, comment ses membres ont lutté pour obtenir des molécules pour les soigner, comment ils se sont engueulés entre eux parce que certains trouvaient que le groupe n’était pas assez radical. Je suis surpris de n’avoir lu ça nulle part, mais c’est la même histoire que le film de Robin Campillo : il y a des séquences dans une grande salle où tous les membres se réunissent, il y a des histoires d’amour, il y a des manifestations, des actions militantes, des personnages principaux qui meurent. Sauf qu’ici tout est composé de films d’archives de l’époque. Et surtout, on a une conclusion. On sait ce que la molécule qu’ils ont obtenue a apporté, et il y a même un petit exercice critique à la fin. Les militants de l’époque commentent leurs actions et en regrettent même certaines.

Dunkerque – Un beau livre d’images fait-il un bon film ?

De toutes les critiques élogieuses reçues par le film Dunkerque (ou Dunkirk, comme disent les Anglo-saxons), c’est Le Figaro qui résume le mieux ce que j’en pense (même si ça n’a pas été écrit dans le sens de mon interprétation) : « Le spectateur sort de la salle avec une question en tête : comment ont-ils pu tourner un tel film ? ».

J’ai choisi l’affiche allemande pour rire un peu

Comment Christopher Nolan a-t-il pu tourner, et accessoirement écrire, un tel film ? Il n’y a honnêtement aucune réponse possible. En nous racontant l’évacuation des troupes anglaises en juin 1940, alors cernée par l’armée hitlérienne, Nolan a décidé de produire un magnifique livre d’images en reproduisant à la perfection (je n’ai absolument pas vérifié ce que je vais écrire, mais je suis certain d’avoir raison) le moindre bateau ou avion de l’époque. Tout est soigné méticuleusement. Rien n’est laissé au hasard. Comme un gamin sur sa balançoire qui réclame l’attention de sa mère, chaque plan du film hurle à la face du spectateur : « Regardez-moi, regardez-moi comme je suis bien filmé ! »

Notez que cet épisode de la Seconde Guerre mondiale va jusqu’à diviser le critique des Inrocks qui le qualifie d’abord « d’un épisode marquant » dans le chapeau de son article avant de se raviser trois lignes plus loin pour en dire qu’il s’agissait là d’un « épisode crucial, mais relativement méconnu ».

Le film débute sur l’image d’un soldat anglais (Tommy, l’un des rares personnages nommés dans le film), qui rêve de s’enfuir le plus vite possible de la plage de Dunkerque où lui et des dizaines de milliers de soldats attendent qu’on vienne les chercher. Bizarrement, ils sont tous en rang d’oignon, perpendiculaires à la mer, le premier de la ligne se baigne ainsi jusqu’à la taille dans de l’eau froide. Je ne perçois pas l’intérêt vu qu’aucun navire ne point à l’horizon.

Direction ensuite la Grande-Bretagne où un plaisancier britannique embarque avec deux jeunes garçons pour venir récupérer les « boys » de la Nation à la demande du gouvernement.

D’autres séquences se passent sur un ponton où Kenneth Branagh interprète le commandant Bolton scrutant la mer du Nord (il semble dormir carrément ici). Sur ce même ponton, des milliers de soldats attendent.

Enfin, on suit des batailles aériennes entre pilotes britanniques et allemands.

Voici tous les éléments du film qui s’entremêlent sans aucune raison : une séquence avec Tommy, une séquence sur le ponton, une séquence avec le plaisancier et des navires qui se font bombarder, une séquence dans les airs et ainsi de suite.

Il n’y a aucune histoire, on ne sait rien de personne, la plupart des protagonistes sont crédités au générique sous la forme de « Grenadier », « Soldat » ou « Officier ». Ils se ressemblent tous (et les acteurs jouent mal). On se moque comme de l’an 40 (façon de parler) de savoir s’ils vont s’en sortir ou pas, bien que le film s’évertue à créer le suspense le plus artificiel possible à coups de plans interminables sur des gens qui marchent le long du sable, de bateaux qui se font bombarder et qui coulent et des gens qui nagent pendant des heures vers un autre bateau qui va se faire irrémédiablement couler juste avant l’enchaînement des quatre séquences iconiques du film.

En somme, tout nous indiffère.

Et le pire (car il y a pire, oui !), c’est que ce suspense en bois est entretenu par l’atroce musique de Hans Zimmer. QU’ON LUI DÉBRANCHE SES CLAVIERS BONTEMPI, PUTAIN. Aucun thème, aucune mélodie (Zimmer n’a ni les capacités intellectuelles ni le talent pour composer autre chose que des accords plaqués sur un synthétiseur).

Comme le scénario, la musique n’est que du rien.

Alors, pour tenter pitoyablement de faire grimper le curseur de l’angoisse (« Mon Dieu ! Ce personnage dont je me fous va-t-il réussir à nager pendant quatre minutes vers ce navire en train de se faire bombarder ? »), il utilise deux méthodes éculées :

  1. La sonate sur une note en ré qui consiste à répéter inlassablement la même note plus ou moins rapidement :


(C’est moi qui vient de composer cette mélodie, filez-moi dix millions de dollars.)

  1. Les gammes de Shepard (que j’ai découvertes pour l’occasion) qui consistent à vous faire croire artificiellement qu’on monte une gamme sans jamais s’arrêter, comme si elle était de plus en plus aiguë (alors qu’en réalité on joue toujours les sept mêmes notes) :

Il y a aussi une troisième méthode qui est celle de nous faire écouter le tic-tac d’une montre, mais je ne pense même pas qu’on puisse définir ça comme de la musique.

Cette horreur musicale a tout de même eu les honneurs de la critique cinématographique, ainsi Le Monde la qualifie de « partition omniprésente et une fois de plus remarquable d’Hans Zimmer tendant vers la musique industrielle ».

Je suggère qu’on laisse la critique musicale à ceux dont c’est le métier et qu’on interdise dorénavant à Nolan et Zimmer : 1. de collaborer ensemble, 2. de collaborer tout seul.

L’Amant double : un film au ventre mou

François Ozon appartient à la longue liste des réalisateurs dont j’entends tellement parler que j’ai l’impression de connaître tous ses films. En réalité, je n’en ai plus vu depuis Potiche (c’était en 2010, mon Dieu, je vais bientôt mourir).

Avec L’Amant double, Ozon raconte comment Chloé, 25 ans, souffrant d’une douleur abdominale depuis sa naissance ou presque, espère se soigner en suivant une psychanalyse avec Paul, un psychanalyste. Mais le transfert freudien les conduit à tomber amoureux l’un de l’autre. Tout se passe sans trouble jusqu’au moment où Chloé découvre que Paul a un frère jumeau, lui aussi psychanalyste, et que les deux cachent un sombre secret…

– Ça va, Paul ?
– Non, j’ai des sushis avec mon frère !

L’histoire s’inspire d’un livre, Lives of the Twins (jamais entendu parler) et le film d’Ozon, lui, est un genre de gloubiboulga de références cinématographiques. On pense tout de suite à Faux-semblants de David Cronenberg (notons d’ailleurs que la scène d’ouverture bien alléchante met en scène un spéculum dans une séquence chez le gynécologiste qui rappelle furieusement la profession des deux jumeaux du film de Cronenberg), mais aussi aux longs-métrages de Brian De Palma (là, j’ai moins de titres en tête, mais on a du split-screen donc on a du De Palma) en passant par une séquence inspirée d’Alien (maux de ventre = Alien, c’est tellement prévisible). Et puis, pas modeste pour deux sous, il va même jusqu’à convoquer Orson Welles et La Dame de Shanghaï dans la scène finale (originalité quand tu nous tiens !).

Bref, impossible de savoir où le réalisateur veut en venir. D’ailleurs, je pense qu’il ne voulait en venir nulle part. Ça pue le film torché par un mec un peu trop sûr de lui et dont personne n’ose remettre en cause les choix douteux (comme la scène d’ouverture).

Bon, je n’irai pas jusqu’à vous affirmer qu’on s’ennuie, ce ne serait pas vrai, mais il y a un petit air de : « Tout ça pour ça ? » lorsque le film s’achève qui n’est clairement pas le signe d’un chef-d’œuvre.

Enfin, dans le genre « les trucs qui me gonflent au cinéma » : Chloé est censée avoir vu tous les médecins de la planète pour soigner ses maux de ventre avant de franchir la porte d’un psy, mais (attention, je divulgâche dans 3… 2… 1…), une simple échographie dix minutes avant le générique révélera le pot aux roses (j’allais écrire « le pot-au-feu », je crois que j’ai la dalle).

Pourquoi les médecins n’ont-ils pas réclamé une échographie à une patiente qui s’est plainte pendant 25 ans de douleurs à l’estomac ? La seule raison crédible, c’est que Chloé n’avait pas les moyens de se payer l’examen et que L’Amant double est, en réalité, une grande fable allégorique sur la généralisation du tiers payant.

Alien: Convenant – Un film pipeau

À part le tout premier Alien, celui de 1979, je crois que je n’ai jamais bien compris le reste de la saga. La reine dans Aliens, la prison dans Alien 3 ou les clones dans le quatre, j’avais déjà du mal, mais avec Prometheus, j’ai définitivement lâché l’affaire.

Par exemple, je suis persuadé que les équipages qui se succèdent pour se faire empaler par un Alien vont toujours sur la même planète. En fait, non. Elle change de nom : elle s’appelle LV-426 dans Alien, Fiorina 161 dans Alien 3, LV-223 (c’est une lune) dans Prometheus et j’ai oublié son nom dans Alien: Covenant, mais il s’agit encore d’une autre. Et pourtant, il y a toujours le même vaisseau planté là, à moitié écrasé sur le sol. Je crois que Prometheus est censé avoir expliqué ça, mais je refuse de faire des efforts pour comprendre.

Le film débute par un loooooooong prologue assez chiant où l’on découvre David, un androïde très méchant qui joue du piano.

David, le méchant.

Puis nous filons à l’intérieur d’une grande navette spatiale où deux mille colons en hibernation partent pour Origae-6, une lointaine planète qui présente toutes les qualités pour devenir une nouvelle Terre. Hélas, à cause d’une tempête de neutrinos, le vaisseau se retrouve en cale sèche.

On notera au passage que le neutrino étant une particule neutre, comme son nom l’indique, elle n’interagit quasiment pas avec la matière, il est donc fort improbable qu’une tempête de neutrinos provoque quoi que ce soit. Mais je ne suis pas là pour faire mon chieur.

À bord, Walter, un androïde gentil qui ressemble comme deux gouttes d’eau à David (spoiler alert : le même acteur joue les deux rôles) réveille l’équipage, soit la dizaine de personnes qui va mourir au cours des deux prochaines heures.

Walter, le gentil.
Le Nostromo a la douleur de vous faire part du décès de toutes les personnes présentes sur cette photo.

Et d’ailleurs, ça ne traîne pas : le capitaine est brûlé vif quand un court-circuit touche sa capsule d’hibernation. Hop, au suivant. Sa femme qui était aussi membre de l’équipage pleure à chaudes larmes, puis l’oublie aussi vite qu’elle fut éplorée. Ridley Scott tente de nous rendre la scène triste avec de la musique mélancolique, mais vu qu’on ne sait pas qui sont ces gens, on s’en fout un peu (comme ce sera le cas quasiment tout le long du film).

Pour réparer le vaisseau, l’un d’entre eux sort dans l’espace et intercepte une communication provenant d’une planète proche. Très intelligemment, le nouveau capitaine (du nom d’Oram) décide d’aller la visiter parce que, figurez-vous, qu’elle a l’air aussi bien qu’Origae-6 qui est encore à des centaines d’années-lumières de là.

Une fille de l’équipage tente tout de même un timide : « On a étudié Origae-6 pendant dix ans, vous êtes vraiment sûrs qu’on doit aller sur cette planète qu’on connaît depuis dix minutes ? », mais tout le monde s’accorde à trouver que c’est une pisse-froid.

Là-bas, l’équipage découvre le fameux vaisseau spatial gigantesque (le vaisseau de « l’Ingénieur », celui qu’on voit dans tous les films de la saga, mais jamais sur la même planète). En chemin, deux d’entre eux reniflent des champignons hallucinogènes qui les infectent et transforment leur corps en utérus artificiel à aliens. Ils meurent assez rapidement (on découvre alors que l’un des deux, Hallett, était en réalité un gros pédésexuel avec un autre membre de l’équipage, ça n’avait jamais été mentionné auparavant, et on en reparlera plus jamais après) (à ce niveau, c’est de l’ordre du placement de produit).

Puis la fille qui était la petite amie d’Oram meurt aussi, mais à cause de l’explosion du vaisseau spatial qui les a amenés sur la planète. On commence alors à comprendre que tout le monde est en couple. Les petits cochons !

Là-dessus, les membres de l’équipage sont attaqués par une palanquée d’aliens, mais heureusement Obi-Wan Kenobi David débarque et vient les sauver en les emmenant dans une ville-cimetière.

Or, souvenez-vous David est très méchant. Et après une (très) longue séquence homoérotique où il apprend à son double Walter à jouer de la flûte tout en déclamant un monologue lénifiant sur les capacités des androïdes à créer, il entraîne Oram dans une cave sombre et boueuse et le capitaine se fait bouffer la gueule par un bébé Alien qui lui pond dans le bide comme dans le film original.

On apprend ainsi que David est en réalité le créateur des gros œufs gélatineux qui crachent la bestiole (le facehugger) qui féconde les estomacs. Je n’ai toujours pas saisi en quoi ce mode de reproduction était plus pratique que des minuscules spores de champignons, mais bon, je ne suis pas là pour juger les hobbies d’un androïde.

La suite, c’est du classique : l’alien les poursuit jusque dans le vaisseau spatial où il tue pas mal de monde (dont un autre couple qui baise dans une douche à l’italienne), puis il finit par être expulsé dans l’espace par un gros courant d’air. Deux membres de l’équipage, Daniels et Tennessee réchappent tout de même à ce massacre.

Petite info technique : quand vous passez juste derrière un réacteur avec une corde d’escalade, vous avez 99% de chances de crâmer. Sauf dans les Alien.
« C’est le flexible de la douche que je sens ? »

Ils décident alors de poursuivre le chemin vers Origae-6, le projet initial, avec les deux mille colons et au moment d’entrer en hibernation, Daniels découvre que David, l’androïde méchant, a en réalité pris la place de Walter, l’androïde gentil, mais c’est trop tard : elle est enfermée dans sa capsule et ne peut plus rien faire. Fin.

Bilan : l’obstination de Papy Scott à vouloir nous raconter les origines de cette bestiole dégueulasse est totalement vaine. Elle complifie (du verbe complifier : rendre complexe et difficile une chose simple) à l’extrême une histoire débile d’un monstre qui tue tout le monde. C’est d’autant plus risible que Ridley Scott n’a jamais écrit une ligne du scénario du premier film. Par ailleurs, l’auteur du script original, Dan O’Bannon, mort en 2009, n’a jamais participé aux suites.

Alien: Covenant, qui est censé faire le pont entre Prometheus et Alien (1979) à la manière d’un grand écart de Van Damme dans Full Contact me laisse donc totalement de marbre.

Alors, cher Ridley Scott, range ta caméra, sérieusement. Ta réalisation est naze, on a l’impression de retourner dans les pires heures des années quatre-vingt (la scène d’amour sous la douche est d’une nullité absolue) (et puis qui filme encore des pieds qui se touchent pour symboliser une relation sexuelle ?). Ton film semble écrit par un malade d’Alzheimer qui oublie toutes les cinq minutes ce qu’il vient de raconter.

De plus, comme à aucun moment tu ne nous racontes qui sont les membres de l’équipage et pourquoi il faudrait qu’on les aime, on se moque totalement de les voir se faire dézinguer de la manière la plus crade possible les uns après les autres. C’est le zéro absolu de l’empathie.

Et franchement, deux heures pour nous expliquer que les aliens ont été créés par un putain d’androïde qui joue de la flûte, c’est un camouflet à notre sens critique.

Get Out : Mais les bons films existent ?

Mercredi sort le film Get Out, et je suis assez emmerdé parce que ce qui fait le sel de mes petites chroniques ciné ici, c’est que je vais voir des mauvais films et que j’en dis du mal.

Pas de chance : Get Out m’a bien plu. En plus, tous les critiques adôôrent, je ne voudrais pas me mettre cette corporation à dos. Et pire encore, il est difficile d’en parler parce que le film se spoile très facilement.

Une jeune fille très WASP, Rose, vit depuis quelques mois avec Chris, un photographe noir. Elle l’invite à passer le week-end chez sa famille qui vit au sein d’une superbe et grande demeure bourgeoise.

Chris est réticent, mais Rose le convainc qu’il n’y a pas moins raciste que sa famille (« Ils auraient voté pour Obama une troisième fois s’ils avaient pu »).

Pourtant, au cours du week-end, Chris va découvrir que leur comportement très (très) avenant est bien trop louche pour être honnête.

Contrairement aux Inrocks qui – comme d’habitude – divulgâchent le film dans les premiers 6% de leur critique (je n’ai lu que ça, le site me réclame de l’argent pour les 94% restants) (non, mais LOL), je n’en dirai pas plus.

Enfin, juste que je le conseille (et si vous détestez, bah tant pis, c’est le jeu).

(J’ai oublié de le préciser, mais j’ai vu ce film en avant-première parce que je suis une journalope qui travaille pour un merdia, mais dimanche prochain, tout va changer avec Marine, no stress.)

La Jeune fille et son aigle : télé-réalité en Mongolie

Sur le papier, ce documentaire sur une jeune Mongole de 13 ans qui décide de suivre les traces de son père pour devenir chasseresse d’aigle avait pas mal d’arguments pour me plaire : un pays lointain, des costumes traditionnels, des paysages désertiques et des animaux. Mais c’était sans compter l’excellente idée du réalisateur Otto Bell de filmer ça comme un épisode des Kardashian. Ou pour être plus exact comme une télé-réalité de NRJ12.

Ainsi, Aisholphan, la jeune fille, doit traverser 3 étapes initiatiques. 1. Capturer un aigle ; 2. Remporter une compétition de chasseurs d’aigle ; 3. Capturer un renard grâce à son aigle. Et à chaque fois qu’elle relève l’un de ces défis, on a trois / quatre minutes d’action, puis un long plan de son père recouvert de peaux de bêtes d’apparat, installé en haut d’une montagne, qui nous répète ce qu’on vient de voir.

Exemple : pendant la compétition, le père lance l’aigle depuis une colline et l’aigle doit se poser sur le bras de sa fille en contrebas qui tient un morceau de bidoche pour l’attirer. Séquence 1 – on voit le père sur la colline avec l’aigle. Séquence 2 – le père, face caméra, devant le soleil couchant, raconte : « Quand j’ai lancé l’aigle vers Aisholphan, j’ai eu peur qu’elle n’arrive pas à l’attraper. » Séquence 3 – l’aigle s’envole et sa fille l’attrape. Séquence 4 – le père : « Mais elle a réussi. C’était un sentiment incroyable ». Retour sur la compétition, le père court vers sa fille : « Je suis très fier de toi. » Retour en haut de la montagne : « J’étais très fier d’elle. » Retour sur la compétition, la fille : « J’étais très fier de moi et de mon père. » et ainsi de suite.

À cela s’ajoute des inserts d’une maison avec « les anciens » qui commentent également : « Chasseur d’aigle, ce n’est pas un métier pour les filles. » Un contrepoint qui pue la séquence scriptée.

Enfin, un élément assez important : un aigle vole haut et même un téléobjectif ne peut pas faire de miracle. Toutes les images de l’aigle semblent plates et sans profondeur. Ce n’est guère impressionnant. Alors, Otto tente de foutre de la grosse musique pour créer une ambiance et du suspens. Autant vous le dire, ça ne marche absolument pas.

Your Name : Un film ruiné par la critique

Je n’y connais pas grand-chose en dessin animé japonais. J’ai vu Princesse Mononoké (et pas jusqu’au bout, car c’était une séance en plein air à la Villette et que 1. je me pelais et 2. j’allais rater mon métro), c’est à peu près tout.

Mais comme il me restait un ticket acheté au CE qui expirait le 31 décembre 2016, il était impératif que j’aille au cinéma avant cette date fatidique. Et donc, Your Name.

L’histoire, c’est celle de deux ados, un garçon qui habite Tokyo, une fille de la campagne, qui échangent leur esprit sans raison aucune. Ça donne des situations cocasses (mais franchement digne d’une sitcom, genre le garçon touche ses seins quand il est fille, la fille touche son zizi quand elle est garçon) et évidemment, ils tombent un peu amoureux l’un de l’autre sans le savoir. Ça, c’est le côté chiant.

Heureusement, il y a toute une histoire SF très réussie sur le pourquoi du comment de ce phénomène qui permet de s’affranchir de la comédie romantique un peu niaise. Et au-delà de l’histoire, les dessins sont époustouflants, l’animation superbe. Bref, c’était très bien (enfin, la bluette amoureuse exceptée).

Sauf que ce film est devenu l’emblème de toute une population que je conchie, à savoir le service cinéma des Inrocks qui non seulement spoile le film dans sa critique (je ne l’ai lue (la critique) qu’après l’avoir vu (le film)) (ne cliquez pas si vous n’avez jamais vu le film), mais surtout décrit Your Name comme une grande œuvre sur « la question queer ou transgenre ».

Les bras m’en tombent. Sérieusement ? Je ne sais même pas comment ça a pu leur traverser l’esprit… Faut se creuser la cervelle à la petite cuillère. Parce que vraiment, il n’y a aucun enjeu transgenre dans le film. Le ressort comique de changement de sexe n’a rien de nouveau et n’est même pas traiter ici avec une grande finesse. Et je doute que quand le film Victor Victoria (1982) est sorti au cinéma, quiconque ait pensé qu’il s’agissait là d’un grand film sur la question transgenre. Ça me saoule de lire ce genre d’idioties crasses qui sont là juste pour se raccrocher à l’actualité de façon si stupide, niaise et surtout paresseuse.

Car si le même film avait été produit par Disney ou DreamWorks (et ç’aurait tout à fait été possible, c’est une grosse comédie romantique quand même), là, les gags dont je parlais seraient devenus forcément le signe de la fin des temps et une horreur intellectuelle. J’imagine déjà la critique des Inrocks : « Alors que la question transgenre est au cœur des débats nationaux, ce film américain renie l’altérité de l’autre et démontre une LGBTphobie inadmissible avec des blagues potaches d’un sincère mauvais goût. Dans l’Amérique de Donald Trump, cette production est à vomir. » (à lire avec la voix de Jean-Marc Lalanne, c’est tordant).

Bref : faites comme moi, ne lisez jamais les critiques.

John Wick 2 : Un vrai film casse-tête

Jusqu’ici, ma vie s’était particulièrement bien accommodée de mon ignorance totale de l’existence de la série John Wick. Mais, l’autre soir, un pote me dit : « Tu connais pas John Wick ? Ahlalala ! C’est un vrai film de badass comme on n’en fait plus ! D’ailleurs, j’ai trop envie d’aller voir John Wick 2 qui vient de sortir. Allez, accompagne-moi ! »

Pris par la boisson, j’accepte. Toutefois, craignant de ne pas comprendre les tenants et aboutissants scénaristiques et les enjeux psychologiques, je m’encourage au préalable à mater rapidement le premier épisode.

Dans John Wick 1, Keanu Reeves incarne… Le terme est un peu fort. Keanu joue… Non, c’est trop aussi… Keanu fait semblant (oui, c’est mieux) d’être un ancien tueur à gages, reconverti dans le macramé. Vivant pépouze avec sa femme, cette dernière meurt d’une longue maladie. Avant de passer l’arme à gauche, elle lui offre un petit chien. Pas de bol, le fils de son ex-employeur tue ce chien (et vole sa voiture). John Wick n’a alors plus qu’une idée : se venger.

Ensuite, pendant une heure et demie, ça canarde plus que dans une partie de Counter-Strike. À la fin, tout le monde est mort. Sauf John Wick qui se trouve un nouveau chien.

Remis à niveau, j’appelle mon pote : « C’est bon, je suis prêt à aller voir John Wick 2. »

Cette fois-ci, Wick découvre que, des années avant John Wick 1, lorsqu’il avait quitté le monde du banditisme, il avait contracté « une dette » envers un mafieux italien. Il doit donc l’honorer. Mais comme il refuse, le rital lui brûle sa maison (son chien est sauf, rassurez-vous). John Wick n’a alors plus qu’une idée : se venger.

J’en avais des nœuds au cerveau.

Ensuite, ça canarde encore plus que dans John Wick 1 (si c’était Dieu possible) (a priori, ça l’était). Les balles fusent, les protagonistes tombent et roulent dans des escaliers en pierre de taille, se tirent dessus dans des couloirs de métro aux heures de pointe, se démontent la tête dans le Forum Magnum, s’empoignent dans des catacombes romaines, se mitraillent à Central Park…

Que vous dire ? C’est é-pui-sant. Le ratio mots prononcés/nombre de balles tirées est quasi nul. Les acteurs sont mauvais : une limande a plus d’expressions faciales que Keanu Reeves et les situations sont grotesques. Classique de ce genre de film : les méchants arrivent toujours par salve de deux ou trois, les autres attendant bien sagement à côté que leurs acolytes se fassent buter pour se jeter dans la mêlée et connaître le même sort.

Mais il y a bien une chose qu’on ne puisse pas retirer à John Wick : c’est un vrai film de badass comme on n’en fait plus.

Et quelque part, heureusement…