Catégorie : Regarder des images

Sortie le jour de mon anniversaire, le 21 mars, premier jour du printemps (toute personne qui prétend le contraire est soit un de mes collègues soit une ordure, les deux se confondent facilement), La Finale est un film familiale qui nous narre les aventures de JB, un ado (joué par Rayane Bensetti) qui doit s’occuper de son grand-père, Roland, interprété par Thierry Lhermitte pendant le week-end tout ça parce que son père (à JB) s’est fait contrôlé en état d’ivresse par la police. J’aimerais vous en dire plus, mais j’avoue que j’ai vu le film il y a un long moment et j’ai totalement oublié cette partie.

Ce dont je me rappelle, en revanche, c’est que JB a, ce week-end là, une compétition de basket-ball qui peut le mener à une sélection nationale. Ça ressemble beaucoup a une pub de ma jeunesse où un ado devait participer à une compétition ultra-importante de karaté, mais son kimono était sale. Les Nuls avaient d’ailleurs réalisé la parfaite parodie de cette réclame :

Bref. Le truc un peu chiant de l’histoire, pour JB, c’est que son grand-père souffre de la maladie d’Alzeihmer. Il oublie donc tout, tout le temps. Tant que ça se passe dans la maison, les choses s’arrangent à peu près, mais JB, lui, ne compte pas rater son match. Et il a la solution parfaite : emmener son grand-père à Paris afin de ne pas se faire engueuler par ses parents pour l’avoir abandonner.

Sauf qu’en réalité, pendant tout le film, le spectateur n’a qu’une question en tête : lesquel de JB ou de Roland souffre réellement d’Alzheimer ? Je m’explique. Au cours du périple (qui passe par le train, le bus et la voiture), JB ne va cesser d’oublier que son grand-père est là. Dans le train, il le laisse tout seul avant de s’étonner qu’il n’est plus là. Il le récupère sur le quai, mais le train part. Tant pis, prenons un bus. Sauf qu’au premier arrêt sur l’aire d’autoroute, JB le laisse à nouveau tout seul. ET BOUM, Roland disparaît. Il le retrouve, ils prennent une voiture, mais voilà qu’à Paris, il laisse encore son grand-père tout seul. Et – truc de dingue auquel aucun spectateur ne pouvait s’attendre après une heure et demi à voir JB laisser son grand-père tout seul et remarquer dix minutes après qu’il a disparu – Roland se carapate. Mon verdict est sans appel, c’est le jeune qui est malade.

Soyons francs, en soi, La Finale n’a rien de catastrophique (dans quelques jours, je vais vous causer de L’École est finie et je ne serai pas aussi indulgent), mais cette répétition interminable de la même séquence focntionnerait mieux si tout le public lui-même souffrait d’Alzheimer. Personnellement, je ne crois pas être atteint encore par cette maladie, mais je reconnais que quelques jours après, j’avais déjà oublié les trois quarts du film.

J’ai quand même – par précaution – préféré consulter. A priori, ce n’est pas mon cerveau qui est atteint, mais plutôt le scénario. Ouf !

J’ai vu un paquet de films depuis Pentagon Papers. Mais je n’ai pas trouvé le temps (en raison de ma crasse fainéantise) d’en parler ici. Et puis, ça vous laisse le temps d’en voir. Ainsi j’évite de vous spoiler la moindre surprise. Mais Cannes m’a donné envie un peu de revenir sur le sujet. Parce que quand je lis ce que je lis, je me dis que je peux faire mille fois mieux sans même me forcer.

Commençons donc par un film particulièrement joyeux et guilleret qui est sorti le sept février dernier : Jusqu’à la garde.

Cette œuvre narre les facéties hilarantes d’un père de famille qui, après avoir perdu la garde de ses deux enfants à la suite d’un divorce difficile, décide d’opérer une reconversion professionnelle comme clown d’anniversaire. La première partie du film raconte sa formation, la seconde la mise en pratique de son nouveau talent. À la fin du film, les deux enfants sont dégoûtés, car le père est devenu une célébrité dans le quartier grâce à ses animaux en ballons. Ça se termine avec le père déguisé en lapin de Pâques, ses enfants sur les genoux et tous rigolent de bon cœur tandis que la maman, finalement réconcilée avec le papa prépare un… gâteau d’anniversaire pour les dix ans du petit !

TUIIIIIIIIIIIIINNNNNNTTTTT

Vous y avez cru ? Ahahahaha ! Je me suis joué de vous comme un ventriloque de sa marionnette.

La seule chose vraie, c’est que le film débute par un homme et une femme, Antoine (Denis Ménochet) et Miriam (Léa Drucker) chez un juge en train de plaider chacun pour obtenir la garde des enfants (Julien et Joséphine) après leur divorce. Miriam accuse son ex-mari d’être violent (et reconnaissons que l’acteur a le physique de l’emploi). Hélas, la justice est aveugle (dans tous les sens du terme) et accepte la garde partagée : un week-end sur deux chez le père et la moitié des vacances scolaires. Seul Julien est concerné puisque sa sœur est majeure. Miriam, qui avait mis une certaine distance entre son ex-époux et elle, est totalement dévastée et nous avec.

Car la suite de l’histoire ne va pas aller en s’améliorant.

Notamment parce que Julien, dont on n’arrive pas vraiment à comprendre s’il veut bien faire ou s’il se rend compte qu’il fout le bordel sciemment, va envenimer une situation déjà pourrie jusqu’à la moelle. Il veut aller à l’anniversaire de sa sœur un week-end où il est censé être chez son père. Le père accepte, mais il veut que son ex-femme le lui demande. Comme Miriam est effrayée par cet ogre, Julien n’ose pas le lui demander et raconte finalement à sa mère que son père refuse de lui concéder ce week-end.

Et alors que tout se passait merveilleusement bien, tout va empirer : Antoine va dévoiler sa vraie nature (que son physique ne cachait pas vraiment) et tout ça va se terminer par un final qui n’est pas sans rappeler Shining de Stanley Kubrick (sauf qu’il déboule chez son ex-femme avec un fusil plutôt qu’une hache, mais ça ne change pas grand-chose dans le fond) (fun fact : vous saviez qu’on dit [fuzile] ? J’ai toujours dit [fuziye] ? Eh bien j’avais tort ! Je trouve ça totalement incroyable d’apprendre encore des choses à mon âge, et encore plus de m’en souvenir, mais je digresse).

Grâce à une vieille dame acariâtre qui réside en face de chez Miriam, la police interviendra quelques secondes avant que le sombre fait divers promis n’arrive et que l’histoire ne devienne une reconstitution d’un Faites entrer l’accusé. Fin avec un générique sans musique. Et si cette absence de musique surprend, on s’aperçoit alors qu’on n’en a entendu pratiquement aucune pendant tout le film.

Une aridité générale et oppressante appuyée par une mise en scène au départ sèche (qui laisse planer toutefois une angoisse sur une possible réalisation façon documentaire de seconde partie de soirée sur France 3). Tout suinte le malaise ici.

J’ai été mal pendant une heure trente à me demander pourquoi j’étais venu et à regarder les amis qui m’accompagnaient et qui n’avaient pas l’air bien plus joyeux que moi. En sortant, je n’osais pas affronter leurs regards, craignant qu’un psychopathe taré se cache dans le groupe (et, statistiquement, c’était forcément le cas).

Et puis, là, UNE CONSOLATION. Une seule qui est arrivée comme un cadeau du ciel, comme pour dire : “Vous en avez chiés pendant tout ce film, voici un présent qui va vous consoler”. Louis Garrel a débarqué dans le même cinéma dont nous sortions (je vous raconte ça alors que je n’ai jamais été fan de Louis Garrel, je trouve qu’il ressemble à une grosse otarie affublée d’un pantalon en velours). Ça ne nous a pas enlevé le mauvais goût dans la bouche, mais on a pu éviter de parler du film qu’on venait de voir.

Louis Garrel est entré dans une salle. Il n’allait pas voir Jusqu’à la garde, mais Phantom Thread. La petite nature !

Avec Les Hommes du Président,Alan J. Pakula a plus ou moins défini les codes d’un film sur le journalisme (ou journalimse, j’ai un doute) : des grands open spaces, des gens au téléphone, des discussions interminables dans le bureau d’un rédacteur en chef acariâtre, des grosses machines qui impriment des journaux et un directeur qui s’écrie à un moment donné : “Lancez les rotatives” (je vous encourage à voir sur ce sujet le très bon sketch de Seth Meyers sur le sujet).

Sans surprise, Spielberg reprend exactement la même sauce dans Pentagon Papers (je me permets un aparté : le titre original du film est The Post et fait référence au journal qui a publié ces articles, le Washington Post. Alors, quitte à changer le titre pour le public francophone, on peut se demander avec une certaine légitimité pourquoi en faire une alternative en anglais. Est-ce que “Les dossiers du Pentagone” n’aurait pas convaincu le public ? Je vous laisse seuls juges).

Mais il ajoute à cela une passion incompréhensible pour l’entrejambe de Tom Hanks qu’on voit plus que de raison. Dès que Tom doit montrer qu’il est en colère ou qu’il a une décision importante à prendre, il pose sa jambe droite sur une table devant lui et Spielberg le filme en contre-plongée pour qu’on admire au premier plan, le pli de son pantalon au niveau de son scrotum.

Hanks joue de toute façon comme une savate, mimant l’idée qu’il se fait d’un patron de presse dans les années 60 : il fume des cigarettes, parle avec une grosse voix, gueule sur la première personne qui passe devant ses yeux et surtout, dès qu’il est debout, conserve ses mains dans les poches arrière de son pantalon pour bomber le torse et affirmer silencieusement qu’on ne la lui fait pas.

On peut tout de même sauver la performance de Meryl Streep, une bonne chose puisqu’elle est finalement la figure centrale du film. En effet, tout le film consiste à savoir si elle acceptera de publier les Pintaguaune Payepeursse dans son journal, le Washington Post, journal qu’elle a hérité de son père et que son époux (de Meryl Streep) dirigeait jusqu’à sa mort (de son époux, pas de Meryl Streep) et dont elle a hérité (du journal) (de son époux) (mais du père) (au départ). Suivez, merde !

C’est donc le chemin initiatique d’un personnage face à une décision impossible, et qui, en la prenant (la décision), passera de femme au foyer à femme de pouvoir dans un monde férocement patriarcal (cette phrase est inutilement compliquée grammaticalement). Mais Spielberg devait tellement craindre qu’on ne comprenne pas son propos, malgré la performance de Streep, qu’il a ajouté des poncifs d’une lourdeur à faire passer un kouglof pour une mousse légère à la framboise. Ainsi, on retiendra ce plan ridicule après le procès, où Meryl Streep descend les marches du palais de justice entourée uniquement de femmes la regardant comme si elle était le Messie ou la vierge Marie. Mais c’est un peu pareil.

Bref, comme je m’ennuyais à cent sous de l’heure pendant le film, j’en ai profité pour affiner une théorie remarquable qu’on enseignera bientôt dans les grandes écoles de journalisme (hélas, je n’ai pas le temps d’en écrire la synthèse : avec mon divorce, les enfants et le petit dernier qui fait ses dents, j’ai des nuits épuisantes) : ce qu’on retient des films sur le journalisme, c’est que ce métier consiste principalement à attendre qu’une personne légèrement inconsciente décide de prendre tous les risques pour vous fournir des dossiers ultras confidentiels. Et que le niveau d’effort à fournir pour un journaliste afin d’obtenir un scoop est nul.

Regardez Les Hommes du président : Dustin Hoffman et Robert Redford brassent du vent pendant une heure (ils courent dans la rédaction, mangent des ouiches lorraines et discutent de se taper des gonzesses (je confonds peut-être avec Le Grand détournement)) jusqu’à ce qu’un indic, “Gorge profonde”, les contacte et leur livre, clé en main, les documents impliquant Nixon. Sans cet indic, ils n’ont aucune preuve. Une fois les dossiers obtenus, les deux larrons en écrivent un digest et gagnent un prix Pulitzer. Un Pulitzer pour quoi ? Pour avoir bu des cafés et répondu au téléphone…

C’est à peu près pareil dans Pentagon Papers, où un antimilitariste convaincu décide de photocopier des dossiers ultra-confidentiels avant de les filer au New York Times, d’abord, puis au Washington Post, ensuite.

Et l’autre jour, je regardais la saison 5 de Homeland et c’était exactement pareil : la journaliste y révèle des dossiers de la CIA hackés par un informaticien de génie. Et qu’a-t-elle fait pour les avoir ? Absolument rien. Le mec les lui a filés “parce que j’aime bien votre travail”. N’importe quoi.

Cette thèse s’étend d’ailleurs semble-t-il dans la réalité. Par exemple avec les journalistes d’investigation de Médiapart qui ont sorti l’affaire Bettencourt. Si on analyse objectivement leur travail, ils n’ont fait que sélectionner des morceaux choisis d’enregistrements illégaux réalisés par le majordome de Liliane. Le scoop leur est arrivé tout cuit dans le bec. Même si j’imagine bien que Plenel leur met une pression de dingue et que ça les oblige à se créer un réseau d’informateurs pour espérer de temps à autre obtenir un truc juteux qui calmera la bête à moustache.

Finalement, la seule question de ces journalistes, c’est un choix éthique : doivent-ils publier des documents obtenus sans bouger le petit doigt ? Je ne dis pas que ce n’est pas passionnant comme interrogation, mais franchement : être célébré pour avoir patienté des heures devant son téléphone, n’est-ce pas récompenser la fainéantise ?

Écrire sur 120 Battements par minute est un exercice un peu casse-gueule. Alors avant de commencer, précisons tout de suite : ce film est salutaire, devait être fait et mérite d’être vu (bien au-delà des homos ou de ceux qui s’intéressent à l’histoire de la lutte contre le VIH). J’ajoute que j’ai beaucoup aimé et que je n’ai pas vu les deux heures vingt (ce que je craignais beaucoup).

Accessoirement, il va me permettre de tester ma toute nouvelle balise “Spoiler” pour mon blorg, et ça, ça n’a pas de prix.

(Il faut cliquer pour voir ce que j’ai écris juste avant.)

Mais pourquoi est-ce casse-gueule d’écrire dessus ? Parce que le film oscille en permanence entre le documentaire et la fiction. Et on ne sait jamais sur quel pied danser.

Si l’on s’en tient à l’aspect documentaire des réunions, les “anciens” d’Act-Up confirment que le film touche juste. Rien de surprenant : le réalisateur Robin Campillo est un ancien membre de l’association lui-même. Mais si l’on penche vers la fiction, je dois avouer que je ne comprends pas bien le projet. Ça donne à mon sens un film plutôt bancal.

(Si vous n’avez pas vu le film, vous prenez le risque de connaître toute l’histoire en lisant la suite. Bon. En même temps, on ne va pas se mentir : un film sur des malades du SIDA au début des années 90 se finit rarement bien.)

Il y a donc deux façons de raconter le film.
1. Le documentaire. Inspiré par Act-Up New York, un groupe de tout horizon forme Act-Up Paris, association de lutte contre le VIH et reprend les mêmes méthodes musclées pour tenter de se faire entendre face à un gouvernement plus sourd que Beethoven.
2. L’histoire d’amour. Sean, séropositif, milite à Act-Up. Nathan, séronégatif, rejoint l’association. Nathan tombe amoureux de Sean.

Le film passe une grande première partie sur les réunions d’Act-Up où se préparent les actions militantes du groupe. Leur objectif numéro 1 : mettre les mains sur les résultats d’une molécule (une antiprotéase) en cours de test par un grand laboratoire pharmaceutique. Mais le laboratoire refuse de les livrer et entend les publier uniquement d’ici un an, lors de la conférence mondiale contre le SIDA.

Sur cette partie, on retiendra que l’aspect documentaire est particulièrement bien restitué, tout en évitant l’ennui que pourraient susciter de longues discussions stériles, même ponctuées d’engueulades. Mais entre les très bons / bonnes acteurs / actrices et la mise en scène, le rythme ne se relâche pas. Il y a tout de même un petit “mais” : sur les sept ou huit réunions qu’on voit, une bonne moitié d’entre elles répètent systématiquement la même chose, comme si le texte de ces scènes se basait en grande partie sur un seul compte-rendu. Et je crois avoir rarement entendu dans un seul film aussi souvent “Les gays, les toxicos, les étrangers, les prostitués, les hémophiles et les gens en prison” dans la même phrase. Comme s’il ne fallait jamais en oublier un seul.

Exemple :
– Il faut faire une action militante !
– Oui, il faut la faire pour les gays, les toxicos, les étrangers, les prostitués, les hémophiles et les gens en prison.
– Je suggère qu’on aille jeter du sang sur la tête du président des labos Machin-Chose.
– Bonne idée, on ira avec les gays, les toxicos, les étrangers, les prostitués, les hémophiles et les gens en prison.
– Oui, car on n’entend pas dans ce pays la voix des gays, des toxicos, des étrangers, des prostitués, des hémophiles et des gens en prison.
– Ah ça ! Rien n’est fait pour les gays, les toxicos, les étrangers, les prostitués, les hémophiles et les gens en prison.

J’exagère un peu (et je tiens à préciser que je parle du style, pas du fond : je sais bien qu’à l’époque, le gouvernement se fichait totalement de la santé des gays, des toxicos, des étrangers, des prostitués, des hémophiles et des gens en prison).

En dehors de ce petit bémol, franchement, c’est passionnant et c’est aussi glaçant de voir à quel point les pouvoirs publics se moquaient totalement du sort de toute une frange de la population et comment cette population a concentré une telle colère que la seule façon de l’exprimer était dans des actions coups de poings salutaires.

En revanche, l’histoire d’amour : bof. Limite, elle gâche le reste. Oh, ne me faites pas dire ce que je n’ai pas dit : oui, il est mignon ce petit couple Sean et Nathan qui se fait des bisous et qui couche ensemble. Mais alors quand SPOILER ALERT la maladie va commencer à emporter Sean, on passe de 120 battements par minute à 120 minutes par battement (cette blague pourrait vous être offerte par Le Masque et la plume). D’ailleurs, d’une façon générale, dès qu’on quitte les actions et les réunions, le réalisateur manque singulièrement d’originalité. Le ralenti quand un personnage tombe dans les pommes, je ne vais pas dire qu’on a vu ça mille fois, mais quand même : on a vu ça mille fois. D’ailleurs cette “idée” du ralenti est reprise trois fois dans le film…

Et, SPOILER ALERT TOUJOURS,

Que s’est-il passé avec le fameux laboratoire contre lequel Act-Up est entré en guerre ? Quand les résultats sur la molécule sont-ils sortis ? A-t-elle été efficace ? A-t-elle soigné des gens d’Actu-Up ? Silence total. Tout comme le générique sans musique (palme de l’inattendu).

Mais peut-être que ce qu’il me fallait, c’était justement ça : du documentaire. Alors, je vous recommande chaudement How To Survive A Plague. C’est sur l’histoire d’Act-Up aussi, mais Act-Up New York. Sa formation, son mode de fonctionnement, comment ses membres ont lutté pour obtenir des molécules pour les soigner, comment ils se sont engueulés entre eux parce que certains trouvaient que le groupe n’était pas assez radical. Je suis surpris de n’avoir lu ça nulle part, mais c’est la même histoire que le film de Robin Campillo : il y a des séquences dans une grande salle où tous les membres se réunissent, il y a des histoires d’amour, il y a des manifestations, des actions militantes, des personnages principaux qui meurent. Sauf qu’ici tout est composé de films d’archives de l’époque. Et surtout, on a une conclusion. On sait ce que la molécule qu’ils ont obtenue a apporté, et il y a même un petit exercice critique à la fin. Les militants de l’époque commentent leurs actions et en regrettent même certaines.

De toutes les critiques élogieuses reçues par le film Dunkerque (ou Dunkirk, comme disent les Anglo-saxons), c’est Le Figaro qui résume le mieux ce que j’en pense (même si ça n’a pas été écrit dans le sens de mon interprétation) : “Le spectateur sort de la salle avec une question en tête : comment ont-ils pu tourner un tel film ?”.

Comment Christopher Nolan a-t-il pu tourner, et accessoirement écrire, un tel film ? Il n’y a honnêtement aucune réponse possible. En nous racontant l’évacuation des troupes anglaises en juin 1940, alors cernée par l’armée hitlérienne, Nolan a décidé de produire un magnifique livre d’images en reproduisant à la perfection (je n’ai absolument pas vérifié ce que je vais écrire, mais je suis certain d’avoir raison) le moindre bateau ou avion de l’époque. Tout est soigné méticuleusement. Rien n’est laissé au hasard. Comme un gamin sur sa balançoire qui réclame l’attention de sa mère, chaque plan du film hurle à la face du spectateur : “Regardez-moi, regardez-moi comme je suis bien filmé !”

Notez que cet épisode de la Seconde Guerre mondiale va jusqu’à diviser le critique des Inrocks qui le qualifie d’abord “d’un épisode marquant” dans le chapeau de son article avant de se raviser trois lignes plus loin pour en dire qu’il s’agissait là d’un “épisode crucial, mais relativement méconnu”.

Le film débute sur l’image d’un soldat anglais (Tommy, l’un des rares personnages nommés dans le film), qui rêve de s’enfuir le plus vite possible de la plage de Dunkerque où lui et des dizaines de milliers de soldats attendent qu’on vienne les chercher. Bizarrement, ils sont tous en rang d’oignon, perpendiculaires à la mer, le premier de la ligne se baigne ainsi jusqu’à la taille dans de l’eau froide. Je ne perçois pas l’intérêt vu qu’aucun navire ne point à l’horizon.

Direction ensuite la Grande-Bretagne où un plaisancier britannique embarque avec deux jeunes garçons pour venir récupérer les “boys” de la Nation à la demande du gouvernement.

D’autres séquences se passent sur un ponton où Kenneth Branagh interprète le commandant Bolton scrutant la mer du Nord (il semble dormir carrément ici). Sur ce même ponton, des milliers de soldats attendent.

Enfin, on suit des batailles aériennes entre pilotes britanniques et allemands.

Voici tous les éléments du film qui s’entremêlent sans aucune raison : une séquence avec Tommy, une séquence sur le ponton, une séquence avec le plaisancier et des navires qui se font bombarder, une séquence dans les airs et ainsi de suite.

Il n’y a aucune histoire, on ne sait rien de personne, la plupart des protagonistes sont crédités au générique sous la forme de “Grenadier”, “Soldat” ou “Officier”. Ils se ressemblent tous (et les acteurs jouent mal). On se moque comme de l’an 40 (façon de parler) de savoir s’ils vont s’en sortir ou pas, bien que le film s’évertue à créer le suspense le plus artificiel possible à coups de plans interminables sur des gens qui marchent le long du sable, de bateaux qui se font bombarder et qui coulent et des gens qui nagent pendant des heures vers un autre bateau qui va se faire irrémédiablement couler juste avant l’enchaînement des quatre séquences iconiques du film.

En somme, tout nous indiffère.

Et le pire (car il y a pire, oui !), c’est que ce suspense en bois est entretenu par l’atroce musique de Hans Zimmer. QU’ON LUI DÉBRANCHE SES CLAVIERS BONTEMPI, PUTAIN. Aucun thème, aucune mélodie (Zimmer n’a ni les capacités intellectuelles ni le talent pour composer autre chose que des accords plaqués sur un synthétiseur).

Comme le scénario, la musique n’est que du rien.

Alors, pour tenter pitoyablement de faire grimper le curseur de l’angoisse (“Mon Dieu ! Ce personnage dont je me fous va-t-il réussir à nager pendant quatre minutes vers ce navire en train de se faire bombarder ?”), il utilise deux méthodes éculées :

1. La sonate sur une note en ré qui consiste à répéter inlassablement la même note plus ou moins rapidement :

(C’est moi qui vient de composer cette mélodie, filez-moi dix millions de dollars.)

1. Les gammes de Shepard (que j’ai découvertes pour l’occasion) qui consistent à vous faire croire artificiellement qu’on monte une gamme sans jamais s’arrêter, comme si elle était de plus en plus aiguë (alors qu’en réalité on joue toujours les sept mêmes notes) :

Il y a aussi une troisième méthode qui est celle de nous faire écouter le tic-tac d’une montre, mais je ne pense même pas qu’on puisse définir ça comme de la musique.

Cette horreur musicale a tout de même eu les honneurs de la critique cinématographique, ainsi Le Monde la qualifie de “partition omniprésente et une fois de plus remarquable d’Hans Zimmer tendant vers la musique industrielle”.

Je suggère qu’on laisse la critique musicale à ceux dont c’est le métier et qu’on interdise dorénavant à Nolan et Zimmer : 1. de collaborer ensemble, 2. de collaborer tout seul.

François Ozon appartient à la longue liste des réalisateurs dont j’entends tellement parler que j’ai l’impression de connaître tous ses films. En réalité, je n’en ai plus vu depuis Potiche (c’était en 2010, mon Dieu, je vais bientôt mourir).

Avec L’Amant double, Ozon raconte comment Chloé, 25 ans, souffrant d’une douleur abdominale depuis sa naissance ou presque, espère se soigner en suivant une psychanalyse avec Paul, un psychanalyste. Mais le transfert freudien les conduit à tomber amoureux l’un de l’autre. Tout se passe sans trouble jusqu’au moment où Chloé découvre que Paul a un frère jumeau, lui aussi psychanalyste, et que les deux cachent un sombre secret…

L’histoire s’inspire d’un livre, Lives of the Twins (jamais entendu parler) et le film d’Ozon, lui, est un genre de gloubiboulga de références cinématographiques. On pense tout de suite à Faux-semblants de David Cronenberg (notons d’ailleurs que la scène d’ouverture bien alléchante met en scène un spéculum dans une séquence chez le gynécologiste qui rappelle furieusement la profession des deux jumeaux du film de Cronenberg), mais aussi aux longs-métrages de Brian De Palma (là, j’ai moins de titres en tête, mais on a du split-screen donc on a du De Palma) en passant par une séquence inspirée d’Alien (maux de ventre = Alien, c’est tellement prévisible). Et puis, pas modeste pour deux sous, il va même jusqu’à convoquer Orson Welles et La Dame de Shanghaï dans la scène finale (originalité quand tu nous tiens !).

Bref, impossible de savoir où le réalisateur veut en venir. D’ailleurs, je pense qu’il ne voulait en venir nulle part. Ça pue le film torché par un mec un peu trop sûr de lui et dont personne n’ose remettre en cause les choix douteux (comme la scène d’ouverture).

Bon, je n’irai pas jusqu’à vous affirmer qu’on s’ennuie, ce ne serait pas vrai, mais il y a un petit air de : “Tout ça pour ça ?” lorsque le film s’achève qui n’est clairement pas le signe d’un chef-d’œuvre.

Enfin, dans le genre “les trucs qui me gonflent au cinéma” : Chloé est censée avoir vu tous les médecins de la planète pour soigner ses maux de ventre avant de franchir la porte d’un psy, mais (attention, je divulgâche dans 3… 2… 1…), une simple échographie dix minutes avant le générique révélera le pot aux roses (j’allais écrire “le pot-au-feu”, je crois que j’ai la dalle).

Pourquoi les médecins n’ont-ils pas réclamé une échographie à une patiente qui s’est plainte pendant 25 ans de douleurs à l’estomac ? La seule raison crédible, c’est que Chloé n’avait pas les moyens de se payer l’examen et que L’Amant double est, en réalité, une grande fable allégorique sur la généralisation du tiers payant.

À part le tout premier Alien, celui de 1979, je crois que je n’ai jamais bien compris le reste de la saga. La reine dans Aliens, la prison dans Alien 3 ou les clones dans le quatre, j’avais déjà du mal, mais avec Prometheus, j’ai définitivement lâché l’affaire.

Par exemple, je suis persuadé que les équipages qui se succèdent pour se faire empaler par un Alien vont toujours sur la même planète. En fait, non. Elle change de nom : elle s’appelle LV-426 dans Alien, Fiorina 161 dans Alien 3, LV-223 (c’est une lune) dans Prometheus et j’ai oublié son nom dans Alien: Covenant, mais il s’agit encore d’une autre. Et pourtant, il y a toujours le même vaisseau planté là, à moitié écrasé sur le sol. Je crois que Prometheus est censé avoir expliqué ça, mais je refuse de faire des efforts pour comprendre.

Le film débute par un loooooooong prologue assez chiant où l’on découvre David, un androïde très méchant qui joue du piano.

Puis nous filons à l’intérieur d’une grande navette spatiale où deux mille colons en hibernation partent pour Origae-6, une lointaine planète qui présente toutes les qualités pour devenir une nouvelle Terre. Hélas, à cause d’une tempête de neutrinos, le vaisseau se retrouve en cale sèche.

On notera au passage que le neutrino étant une particule neutre, comme son nom l’indique, elle n’interagit quasiment pas avec la matière, il est donc fort improbable qu’une tempête de neutrinos provoque quoi que ce soit. Mais je ne suis pas là pour faire mon chieur.

À bord, Walter, un androïde gentil qui ressemble comme deux gouttes d’eau à David (spoiler alert : le même acteur joue les deux rôles) réveille l’équipage, soit la dizaine de personnes qui va mourir au cours des deux prochaines heures.

Et d’ailleurs, ça ne traîne pas : le capitaine est brûlé vif quand un court-circuit touche sa capsule d’hibernation. Hop, au suivant. Sa femme qui était aussi membre de l’équipage pleure à chaudes larmes, puis l’oublie aussi vite qu’elle fut éplorée. Ridley Scott tente de nous rendre la scène triste avec de la musique mélancolique, mais vu qu’on ne sait pas qui sont ces gens, on s’en fout un peu (comme ce sera le cas quasiment tout le long du film).

Pour réparer le vaisseau, l’un d’entre eux sort dans l’espace et intercepte une communication provenant d’une planète proche. Très intelligemment, le nouveau capitaine (du nom d’Oram) décide d’aller la visiter parce que, figurez-vous, qu’elle a l’air aussi bien qu’Origae-6 qui est encore à des centaines d’années-lumières de là.

Une fille de l’équipage tente tout de même un timide : “On a étudié Origae-6 pendant dix ans, vous êtes vraiment sûrs qu’on doit aller sur cette planète qu’on connaît depuis dix minutes ?”, mais tout le monde s’accorde à trouver que c’est une pisse-froid.

Là-bas, l’équipage découvre le fameux vaisseau spatial gigantesque (le vaisseau de “l’Ingénieur”, celui qu’on voit dans tous les films de la saga, mais jamais sur la même planète). En chemin, deux d’entre eux reniflent des champignons hallucinogènes qui les infectent et transforment leur corps en utérus artificiel à aliens. Ils meurent assez rapidement (on découvre alors que l’un des deux, Hallett, était en réalité un gros pédésexuel avec un autre membre de l’équipage, ça n’avait jamais été mentionné auparavant, et on en reparlera plus jamais après) (à ce niveau, c’est de l’ordre du placement de produit).

Puis la fille qui était la petite amie d’Oram meurt aussi, mais à cause de l’explosion du vaisseau spatial qui les a amenés sur la planète. On commence alors à comprendre que tout le monde est en couple. Les petits cochons !

Là-dessus, les membres de l’équipage sont attaqués par une palanquée d’aliens, mais heureusement Obi-Wan Kenobi David débarque et vient les sauver en les emmenant dans une ville-cimetière.

Or, souvenez-vous David est très méchant. Et après une (très) longue séquence homoérotique où il apprend à son double Walter à jouer de la flûte tout en déclamant un monologue lénifiant sur les capacités des androïdes à créer, il entraîne Oram dans une cave sombre et boueuse et le capitaine se fait bouffer la gueule par un bébé Alien qui lui pond dans le bide comme dans le film original.

On apprend ainsi que David est en réalité le créateur des gros œufs gélatineux qui crachent la bestiole (le facehugger) qui féconde les estomacs. Je n’ai toujours pas saisi en quoi ce mode de reproduction était plus pratique que des minuscules spores de champignons, mais bon, je ne suis pas là pour juger les hobbies d’un androïde.

La suite, c’est du classique : l’alien les poursuit jusque dans le vaisseau spatial où il tue pas mal de monde (dont un autre couple qui baise dans une douche à l’italienne), puis il finit par être expulsé dans l’espace par un gros courant d’air. Deux membres de l’équipage, Daniels et Tennessee réchappent tout de même à ce massacre.

Ils décident alors de poursuivre le chemin vers Origae-6, le projet initial, avec les deux mille colons et au moment d’entrer en hibernation, Daniels découvre que David, l’androïde méchant, a en réalité pris la place de Walter, l’androïde gentil, mais c’est trop tard : elle est enfermée dans sa capsule et ne peut plus rien faire. Fin.

Bilan : l’obstination de Papy Scott à vouloir nous raconter les origines de cette bestiole dégueulasse est totalement vaine. Elle complifie (du verbe complifier : rendre complexe et difficile une chose simple) à l’extrême une histoire débile d’un monstre qui tue tout le monde. C’est d’autant plus risible que Ridley Scott n’a jamais écrit une ligne du scénario du premier film. Par ailleurs, l’auteur du script original, Dan O’Bannon, mort en 2009, n’a jamais participé aux suites.

Alien: Covenant, qui est censé faire le pont entre Prometheus et Alien (1979) à la manière d’un grand écart de Van Damme dans Full Contact me laisse donc totalement de marbre.

Alors, cher Ridley Scott, range ta caméra, sérieusement. Ta réalisation est naze, on a l’impression de retourner dans les pires heures des années quatre-vingt (la scène d’amour sous la douche est d’une nullité absolue) (et puis qui filme encore des pieds qui se touchent pour symboliser une relation sexuelle ?). Ton film semble écrit par un malade d’Alzheimer qui oublie toutes les cinq minutes ce qu’il vient de raconter.

De plus, comme à aucun moment tu ne nous racontes qui sont les membres de l’équipage et pourquoi il faudrait qu’on les aime, on se moque totalement de les voir se faire dézinguer de la manière la plus crade possible les uns après les autres. C’est le zéro absolu de l’empathie.

Et franchement, deux heures pour nous expliquer que les aliens ont été créés par un putain d’androïde qui joue de la flûte, c’est un camouflet à notre sens critique.